El ballet ópera AKAS KÄS. se estreno en noviembre del 2012 en el Gran teatro Nacional y contó con la participación de mas de 250 artistas en escena entre ellos el Ballet Nacional Perú, la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, el Coro Nacional del Perú, el Coro Nacional de Niños del Perú y el Elenco Nacional de Folclore del Perú.
"Akas Kas: La Promesa del Guerrero" es una obra encargada especialmente para la apertura de este nuevo recinto cultural. El encargo recae sobre Nilo Velarde, reconocido compositor peruano que compuso anteriormente en 2011 el ballet "Rasu Ñiti", encargado por el Ministerio de Cultura. Junto a la dramaturga Celeste Viale, le dieron vida a esta obra en dos actos y que dura dos horas. Sobre la obra
La historia narra el amor entre el guerrero Huashmin y la doncella Mishak, que deben soportar las intrigas de la sacerdotisa y el destino fatal que tienen para la protagonista. Esta producción es grande y utilizan al máximo los recursos del Teatro. Destaca sobretodo el gran espacio y la iluminación, la cual es claramente de gran nivel y resalta a esta puesta que incluye a mas de un centenar de artistas sobre escena. ACTIVIDADES: -Observa detenidamente vídeos, para realizar en clase el estudio cuadrimensional de los personajes, guerrero Huashmin , la doncella Mishaky la sacerdotiza.
-Realizaras un informe grupal, el cual deberá ser fundamentado en clase mediante una exposición.
Expresión Corporal fue el nombre que le dio Patricia Stokoe a una concepción de Danza Creativa entendida como aquella danza al alcance de cada persona; en una época 1950, en que en la Argentina decir Danza equivalía a decir Danza Clásica, Moderna o Folclórica, y no existía un concepto de Danza Educativa o Danza Creativa. Esta idea de Danza Creativa había heredado tanto el espíritu de la Danza Libre de Isadora Duncan, las investigaciones sobre el espacio y el movimiento de Rudolf Von Laban como también la Rítmica de Dalcroze, entre tantos otros aportes.
Patricia solía comparar al bailarín con un instrumento, que necesita ser afinado, de ahí que le concedió tanta importancia en las prácticas, al desarrollo de la sensibilidad y conciencia, cuanto más afinado el instrumento, su sonido adquiere resonancias más profundas, lo mismo con respecto al cuerpo del bailarín que reúne ser la fuente, instrumento e instrumentista de sus propias danzas.
La Expresión Corporal, cuando se desarrolla como lenguaje en sí mismo, con su propia autonomía, con su propia gramática y códigos para la comunicación, se convierte en una actividad artística, es un patrimonio de todos los seres humanos. Como tal, es el lenguaje del cuerpo con sus posibilidades de movimiento y quietud, sus gestos y ademanes, posturas y desplazamientos, organizados en secuencias significativas, como manifestación de la totalidad de la persona que moviliza la sensibilidad, el sentido estético, la creatividad y la comunicación.
Actividades: Luego de haber observado vídeo realiza un ensayo de la Expresión corporal, respondiendo para ello a las siguientes formulaciones :¿Qué es?¿Cuál es su fin y que rol desempeña en el ámbito educativo?
Las reglas de movimientos son los recursos mas importantes que manejan los actores para realizar sus movimientos al interactuar con el elenco de actores, según Fernando Wagner en el libro Teoría y técnica Teatral en la Parte 3:Interpretación plástica del papel , nos comenta que el movimiento del actor debe ser el natural complemento de la palabra, pues no solamente da a ésta mayor énfasis, sino que se convierte, frecuentemente, en expresión suprema. Ya hemos dicho que se habla más lentamente en escena que en la vida. Ahora observemos que los movimientos escénicos se ejecutan, en general, con mayor frecuencia y variedad que en la vida real, y actos como escribir y comer, con mayor rapidez. Se ha de tener en cuenta que cada movimiento del actor es registrado invariablemente por el público. Todo movimiento debe tener su razón de ser; movimientos fuera de lugar distraen la atención del espectador.
No hace aún cien años, los, actores se movían en escena obedeciendo a su propio impulso; había, generalmente, un actor de mayor autoridad que cuidaba del orden del ensayo e indicaba por dónde habían de efectuarse las entradas y salidas. En aquel entonces, la actuación tenía gran parecido con las funciones convencionales de ópera: formar bellas composiciones era ya la máxima aspiración, mientras la dicción, el bien decir era objeto de sumo cuidado.
Hoy día, la principal tarea del director de escena, o régisseur, consiste en mover sus figuras de acuerdo con el estilo de su miseen-scéne, tratando de acentuar la acción dramática, de interpretar la obra por medio de movimientos y situaciones bien planeados, y evitando repeticiones y posiciones confusas.
Distinguimos entre movimientos básicos y movimientos secundarios. Es obvio, desde luego, que el público no apreciará diferencia alguna entre estas dos clases de movimientos, que para el actor, sin embargo, significan una distinta técnica o ,método de ejecución.
El movimiento básico es un movimiento, una acción, que exige la obra misma en determinado momento para no interrumpir la continuidad dramática; por ejemplo, una salida a escena, un mutis, la acción de escribir una carta, disparar un arma de fuego, son movimientos y acciones básicos. Si no se efectúan en el instante preciso, fatalmente se interrumpe la obra. Para esta clase de movimientos, a no ser que se persiga un efecto distinto, suele aconsejarse la forma más cómoda, el camino más corto, la acción más sencilla, a fin de darles una mayor suavidad y naturalidad.
El movimiento secundario no es menos importante que el básico. Este movimiento planeado de acuerdo con el carácter del personaje, de la escena y de la obra misma será el verdadero complemento de la palabra, el movimiento interpretativo.
Todo movimiento básico debe prepararlo él actor por medio de movimientos secundarios que faciliten, su ejecución. Un mutis, por ejemplo, exige su preparación: levantarse oportunamente del asiento, tomar el sombrero y acercarse a la puerta. Así se logra dar suavidad o rapidez natural al movimiento básico, o sea, al mutis. Existen muchas reglas de movimiento que pueden ayudar al actor a adquirir la agilidad y naturalidad indispensables en el teatro..
De la puesta en escena:
Después de años, sumida en el más profundo silencio, Nawal Marwan, madre inmigrante, muere. El abogado Herman López hombre de su confianza, entrega como herencia a los hijos de Nawal, dos sobres cerrados que rompen su precaria identidad. Los hijos, inician un viaje que los lleva al lejano país de su madre sumido en la violencia. Dos hermanos deben cumplir con el testamento de su madre.
Es así como Jeanine (Jimena Lindo) y Simón (Rómulo Assereto) inician el viaje hacia un pasado enmarcado en el contexto de la guerra civil libanesa. Un viaje que les hará cuestionar sus orígenes y que marcará sus vidas para siempre.
Incendios (Incendies) es un thriller apasionante, escrito en 2003 por Wajdi Mouawad, adaptada al cine por Denis Villeneuve y nominada al Oscar como mejor película extranjera en el año 2011.
Dirección: Juan Carlos Fisher
ACTIVIDAD Luego de haber leído el fragmento de Fernando Wagner y haber observado el vídeo responde a las siguientes formulaciones:
1.¿Cuáles son las conclusiones a las que has llegado luego de dar lectura al fragmento del libro de Fernando Wagner?. Menciona 5 conclusiones en el cuaderno de trabajo.
2. Observa el vídeo y describe las reglas de movimiento escénico que has identificado.
La palabra escenario, deriva del latín SCENARIUM, es un espacio destinado a la representación de artes escénicas(como obras teatrales, danza o música). Suele contar con una plataforma elevada para que los espectadores puedan ver a los protagonistas con mayor facilidad.
Al comienzo de la historia del teatro, los escenarios a menudo eran simplemente áreas elegidas para interpretaciones dentro de un pueblo. Como el teatro deriva de los ritos y ceremonias religiosas, estas áreas tuvieron especial significación para la tribu. Los primeros escenarios elaborados fueron los de la Antigua Grecia donde los escenarios eran originalmente suelos que se desarrollaron hasta grandes anfiteatros al aire libre con escenarios permanentes. El mismo tipo de teatros fue adoptado por los romanos que los difundieron por toda Europa. Pequeños escenarios portátiles eran normales en la Edad Media y se usaban para interpretar misterios y milagros en las catedrales así como al aire libre en los pueblos. Escenarios parecidos fueron usados por la Comedia del arte en Italia y se difundieron por todo el continente en los siglos posteriores.
ACTIVIDADES:
Después de haber observado los recursos interactivos concluye coherentemente las siguientes formulaciones en tu cuaderno:
1.¿En tu apreciación personal el gran teatro nacional de Lima, en cual de los modelos tradicionales fue inspirado?
2. ¿Cómo esta estructurado el teatro moderno en la actualidad?
3. ¿Cuáles son los tipos de escenario teatrales, según su evolución?
